爵士歌手

主演：阿尔•乔生 / 梅·麦卡沃伊 / 华纳·欧兰德 / Eugenie Besserer / Otto Lederer / 罗伯特·戈登 / Richard Tucker / Cantor Joseff Rosenblatt
导演：艾伦·克罗斯兰
语言：英语
地区: 美国
编剧：Alfred A. Cohn / Jack Jarmuth / 山姆森·雷佛森
类型：剧情 / 爱情 / 音乐
上映时间：1927-10-06
别名：爵士歌王 / 歌场孝子
用户标签：美国,第一部有声电影,音乐,1927,美国电影,1920s,第一部正式的有声片,经典
片长：88 分钟
imdb编号：tt0018037

剧情描述一个犹太拉比的儿子一心想成为百老汇明星，唱歌跳舞。此举遭到家长的强烈反对。他们只想让他成为犹太教仪式中的领唱。但是深深热爱爵士乐的儿子一心只想唱流行歌曲……多年后，背井离乡，更名改姓的他终于登上了舞台，在旧金山的夜店酒吧里，他实现了自己的理想，成了一名爵士歌手。
　　第一部有声片，但其中只有很少几段对白，但足以让当年的观众大吃一惊。这部影片使歌舞喜剧演员乔尔森(Al Jolson)大享盛名，并彻底改变整个电影业的轨迹。曾多次重拍，1980年版由尼尔·戴蒙和劳伦斯·奥利弗主演。

第1届奥斯卡金像奖最佳改编剧本(提名)Alfred A. Cohn

《爵士歌手》下载观后评论：

第一部有声电影也不是完全有声，大部分还是字幕台词，不过对于当时突然的发声也够引起激动和兴奋了。电影里主要也是流行音乐和宗教音乐（？），这和电影当时无声和有声的冲突正好是对应的，卓别林和阿恩海姆两位大师就极力反对有声片，在《艺术家》中也能看出来当时有声片的出现争议多么大，华纳能第一个站出来拍摄《爵士歌王》，自己也因为这片子起死回生，前瞻性多重要啊，百老汇趁此机会往电影业输入大量剧作家和演员。不过只看电影本身，故事平平，叙事一板一眼的挺没劲的，典型好莱坞类型叙事风格但是编的不太好，来来回回堆积不出情绪，如今看来就只剩工业感，声音加入之后电影向戏剧学习，好莱坞戏剧化电影美学观形成。另外片中歌舞太多有滥用之嫌。因为是第一部，虽然部分有声，但拍摄和叙事都是默片样式。（我真的快睡着了）

其实不能算歌舞片，舞和歌完全是在场景上是分裂的，对白只有两句但是还是可以想象出当年的观众听到第一段对白以后惊讶地面面相觑，然后疯狂鼓掌，欢呼喝彩的情景，剧中的场景也是如此，剧情现在看来俗套但是并非无诚意，宗教与世俗，事业和家庭，代沟的冲突和理解万岁是从古至今不变的主题，对立有点过于刻意了，难道就不能在百老汇下了班以后去唱诗？背着双手的圈出镜头让人想到后来的小景别拉出，这或许是技术进步下的视听语言代际更迭。歌唱搭配字幕对白很有特色。对恋母情结的大量抒发让人想起《迪斯科舞星》里18岁还要母亲喂饭的吉米，另外没想到早期爵士乐歌手的唱法是这样的，有点像歌剧，让白人扮演黑人看不出种族融合，反而是种族割裂

据HarryWarner（华纳兄弟的创办人之一）的女儿回忆，在《爵士歌星》首映礼上，当AlJolson在唱出Toottoottoosie之前说出“Waitaminute,Waitaminute,youain’thearnothing”时，全场发出了出自喜悦和惊讶的欢呼。每一次电影中AlJolson唱完一首歌，全场观众都在鼓掌。当情节推进到AlJolson扮演的Jackie和他母亲对话的时候，全场几乎沸腾了。也许今天的我们终究不能体会在无声电影时代，习惯于只是面对着演员夸张的肢体表演的观众在一刹那听到荧幕上的演员说出话是怎样的惊喜，然而不容置喙的是，在那一片掌声中，有声电影时代的大幕被徐徐拉起。

第一部有声电影，但依旧沿用了默片拍摄思路，只把声音留给歌曲和几句台词，当年观众应该会产生“哑巴突然开口说话”的震撼感。故事本身相当平庸。彼时被视为不登大雅之堂的ragtime方兴未艾，热爱爵士乐的儿子与虔诚古板的拉比各自代表新旧文化，自然难以避免正面冲突。另扣一星是为Jack思想革命的不彻底性，他始终在犹疑徘徊，到底未能摆脱作为压迫意象的父权制、peer pressure和传统束缚，这或许也隐喻本片同样只能成为默片和真正有声电影之间的过渡吧。Ps. 片中有涂黑脸片段，以及Rabinovitch这个堪比“小明”的名字真的太不走心了orz

除了因技术革新本身从而在电影史上留有余地之外，该片的其他的部分显得十分平庸。就故事而言，本是鱼与熊掌的两难问题，在片子的最后却意外给出了合家欢式的团圆结局，这种不合逻辑的结局呈现使得导演在之前讨论的关于个人理想与家庭情感甚至是传统与现代之间具有一定社会深度的哲思性问题全部失效。传统的好莱坞式的两难困境，最终沦为一股青烟，融入在观者的失望情绪当中。再时髦的技术，也掩盖不了电影制作者的平庸，这一点对相对穷困的艺术工作者而言是机遇，是希望所在。

作为电影史上第一部有声片，虽然沿袭着默片的文字图像穿插的模式，但当男主第一次在荧幕上发声的时候，我甚至感觉自己穿越到92年前的时代和观众一起惊呼。不知道是因为收音设备的不完善还是什么原因，只有几段歌和后面的说话部分有声音。也不知道当时的人们是怎么看待有声电影的，但是至少隔着90多年的时空去感受，还是挺激动的。虽然歌我没觉得多感人，但其实故事还是不错的，这是一个美国版的苏明玉的故事，这么早，美国人就讨论了原生家庭对一个人的牵绊。

影片虽然只是大多数唱歌环节才有配音，其余人物对白多用字幕呈现，但作为影史上第一部有声电影，此片可以说是历史意义大于艺术意义。情节比较一般，父子间互不理解，父亲不认同儿子对音乐的追求，儿子无法忍受犹太父亲对音乐的保守观点，最后在儿子为病重父亲在教堂领唱下父子间才冰释前嫌，字幕中的那句“向上帝歌唱的爵士歌手”，也道出了音乐不应被界定，音乐即是音乐。只是父子间的情感戏仍略显单薄，缺乏升华情节推进，其余剧情也比较浅显。

6/10。考虑到对有声技术的、歌舞片类型的开拓，也只能给到及格了。主题是陈旧的代际冲突、事业和家庭的选择，结尾父亲的灵魂在教堂听到了儿子的主唱，儿子也继续在百老汇实现梦想，过于圆满的解决方式映射了美国经济虚假繁荣造成的盲目乐观。故事是面向犹太人消费群体对回归传统的渴望，削弱了杰克和非犹太裔舞女的爱情冲突，还出现杰克在舞台上化妆成黑人的场景，表现了种族融合的社会潮流。

96分钟版。作为好莱坞的第一部有声片，有声段落和其他无声片段在节奏上严重不匹配，但很明显能感受到当时带给观众的震撼，尤其是歌唱段落这么多，都快有十段了。故事也十分精彩，对于杰克来说，选择梦想或者家庭，都没有错。最令我震撼的是主角的两段交谈，电影里的人开口说话了。主角有一句话：传统固然要保持，但现在时代不一样了！所以有声片取代了默片，彩色片又取代了黑白片。

作为世界电影史上的第一部有声电影来说意义重大。但片子本身的故事很简单，就是一个热爱爵士乐的男孩对家庭与梦想的选择，其中夹杂了父子关系的冲突与和解。虽然说是有声电影，但是也仅仅是在唱歌?的部分有歌声，其他的对白也都是靠字幕来传达。演员的表演也还是无声电影时期夸张的肢体动作。最后男主角把自己化成黑色族裔人群的样子，倒是让我想起了某年春晚....emmm

也别说什么因为声音的出现促使华纳兄弟发行的《爵士歌手》大获成功，电影《爵士歌手》的剧本在当时就写的很不错，剧本质量过硬是影片成功的根本保证，声音只是卖点。影片虽然没有聚焦杰克如何化解为剧院唱歌还是为宗教信仰唱歌，但却很好的展现了亲情回归与事业发展这一矛盾下的杰克，故事情节紧凑，情感渲染饱满，我想这才是观众喜欢这部音乐剧情片的根本原因。

跟《火车进站》一样，都是历史意义大于文本意义的片子。以现在的角度去看，这个剧情很老套，但不知以当年的角度去看算不算俗呢？剧本真的很简单，好像随便来个人一出笔都能写下来的。只不过当年没有声音技术，以至于观众看的很玄乎。原本以为电影是有声音的，但没想到依然是配乐加字幕卡，这跟默片有区别吗？无非是比默片少请了一支乐队现场配音而已。

说起来挺有意思的，这部音乐片是默片。JACKROBIN挺可怜的，面对选择时，两边在JazzSinger和Cantor之间拉扯他，没人考虑处在梦想和家庭不能两全境地下的他，母亲虽然说让天主决定，但是她的行为已经是在逼儿子做出某种选择了。这部片子说明若是希望有资格做选择并实现皆大欢喜的局面就得有足够的实力